Eleanor Marx enfant

Reunion de famille Marx/Engels (mai1864)

1867

Lettre à Dollie Radford (30 juin1884)

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Que de livres, de documentaires et de films de fiction consacrés à Jacques Mesrine, le gangster le plus médiatisé des années 70 ! Cette fois, il n’est pas question de raconter une énième fois son parcours mais de comprendre à qui il parle, 45 ans après sa mort.

Le tombeau poétique est un exercice de style trouvant ses origines dans les épitaphes de la Grèce antique. Il s’agit aujourd’hui d’un recueil collectif composé de plusieurs épitaphes. J’ai donc choisi une unité de temps et de lieu, le 2 novembre à Clichy-la-Garenne pour donner la parole à ces anonymes qui se rendent sur la tombe de Jacques Mesrine le jour de la date anniversaire de sa mort. Pour la plupart, ils ne l’ont pas connu ou si peu. Alors pourquoi viennent-ils et que viennent-ils chercher ? De son vivant, le gangster a suscité l’intérêt de beaucoup et forcé le respect de gens issus des classes populaires, des révoltés et des gauchistes. Il incarne le refus de l’autorité, le défi à l’Etat. Et en France, la tradition du bandit apprécié est forte. Face au policier, n’est-on pas du côté de Guignol ? Et Mesrine savait parler à son auditoire, non sans humour.

Les gauchistes se sont assagis ou se sont détournés d’une figure pas assez politique, trop controversée. Restent les petites gens, travailleurs du bas de l’échelle sociale, marginaux, repris de justice, révoltés des cités… Qu’importe qu’ils fantasment Mesrine en lui attribuant un rôle, des valeurs, des intentions qu’il n’avait pas forcément. Ce qui est important, c’est le lien affectif que ces gens construisent avec lui. Se déplaçant pour certains chaque année sur la tombe du gangster, la fidélité de ces visiteurs pose question. Elle nous en apprend bien plus sur eux, leur vie, leurs parcours parfois difficiles, leur insoumission qu’ils voudraient plus grande, leur méfiance envers l’Etat, les politiques, l’autorité, leur dégoût face aux injustices. Sans savoir trouver les mots de l’analyse, ils sont aussi souvent ulcérés par les rapports de classes. Leur présence interroge et parle… C’est cette parole que la mairie de Clichy-la-Garenne ne souhaitait pas voir portée. Par l’absence de réponse à une demande d’autorisation, sous prétexte de mauvaise image que donne Jacques Mesrine à la ville, elle ne voulait pas que ce documentaire existe. C’est oublier qu’au-delà d’un délai de deux mois, en Droit français, l’absence de réponse d’une collectivité locale vaut réponse positive. C’est oublier qu’on n’efface ni la présence de la tombe de Jacques Mesrine du cimetière de Clichy-la-Garenne ni la parole des gens.

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Qu’est-ce que l’édition de 1968 du Concours de l’Eurovision de la chanson, dont la cérémonie se déroule à Londres, aurait donc de remarquable ? A priori, malgré la participation de grands noms de l’époque comme Cliff Richard pour le Royaume Uni et Isabelle Aubret pour la France, les favoris, pas grand-chose.

Sauf que, dès le lendemain de la victoire inattendue de l’Espagnole Massiel, les premières rumeurs de corruption de la part du régime franquiste commencent à circuler… jusqu’à aujourd’hui.

Dans la première partie, le décor est planté, présentant les protagonistes les plus importants et les innovations techniques de cette édition de l’Eurovision, grande messe télévisée européenne suivie par 200 millions de personnes. Mais surtout, est présentée la fastidieuse sélection de la représentante de l’Espagne. En effet, lorsque l’artiste pressenti, Juan Manuel Serrat, jeune représentant de la Nouvelle chanson à texte catalane, annonce sa volonté d’interpréter l’aimable ritournelle justement en catalan, la télévision ibérique est en émoi. Le régime autoritaire de Francisco Franco, unifié autour de la notion de Patrie et une langue unique, le castillan, ne saurait se satisfaire de l’utilisation d’une langue régionale, qui plus est celle d’une partie de l’Espagne incarnant durant la guerre civile le projet de République sociale balayée par les militaires. Voici donc Joan Manuel Serrat débarqué à quinze jours de la cérémonie de l’Eurovision. La jeune Massiel est finalement choisie. Il faut la faire revenir du Mexique et faire accepter à la télévision britannique ce changement de dernière minute. Ça commence bien !

La seconde partie fait revivre le vote effectué en direct par les pays participants à l’Eurovision. Le suspense est à son comble, chaque compositeur et interprète attend le résultat. Et là non plus, tout ne se déroule pas tout à fait tranquillement puisqu’une erreur de comptage nécessite le rappel du jury yougoslave. Lorsque l’annonce du résultat final intervient enfin, la déception est vertigineuse pour Cliff Richard et son duo de compositeurs. La presse populaire parle de triche mais ne serait-ce pas de la mauvaise foi ? En 2008, cependant, un ancien animateur de la télévision espagnole révèle l’intervention en coulisses du régime pour que le pays soit victorieux. Les enjeux, la possibilité d’utiliser une vitrine culturelle et médiatique pour donner à la dictature espagnole des allures respectables et les retombées économiques sur le tourisme, sont immenses. Mais quel crédit apporter à un vaste plan de corruption par l’achat de programmes à d’autres pays européens orchestré par la télévision nationale aux ordres de Franco ? A moins que toute l’affaire se rapporte à des protagonistes de l’ombre, agissant pour des motifs plus personnels et avec moins d’ambition. Qui sait ?

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Après un cadenassage strict sous la présidence de Valéry Giscard d’Estaing, l’élection de François Mitterrand en 1981 et le vent de liberté qu’il est censé incarner, suscitent des centaines de vocations en matière de radios libres. Parmi elles, Carbone 14 constitue certainement l’une des plus singulières et des plus populaires. L’impertinence et le délire sont au rendez-vous.

Le premier épisode évoque le contexte, la naissance et l’apparition de Carbone 14 sur la bande FM parisienne. Un petit publicitaire se met en tête de monter une station, tablant sur une future possibilité de vendre de l’espace sur les radios locales privées. Celui qui se fait appeler Gérard s’avère être un personnage trouble. De son vrai nom Dominique Fenu, margoulin prêt à toutes les magouilles et aux relations politiques multiples, il obtient le soutien d’Yves Lancien, député gaulliste. Ce dernier pense tirer parti de ce projet de radio et en faire un pôle promotionnel dédié à son action. Mais, lorsqu’il voit débarquer l’équipe de jeunes indomptables recrutés par une petite annonce parue dans le journal Libération, il se désengage bien vite. En réalité, Fenu n’a aucune idée du type de radio qu’il entend diriger. Chaque animateur amateur amène donc, à partir de décembre 1981, ses idées et sa touche. Musique et délires sont au rendez-vous. Jean-Yves Lambert dit Lafesse est le premier à ouvrir l’antenne aux auditeurs sans restriction d’expression. Michel Fiszbin alias Robert LeHaineux, du trio de théâtre de rue Les Minablos, donne à la station une empreinte à la fois humoristique et contestataire. Son idée de convoquer un couple pour faire l’amour en direct provoque l’intérêt des médias.

Dans le second épisode, la popularité de Carbone 14 est faite : la radio est une des plus écoutées de la région parisienne. Le ton audacieux, irrévérencieux et provocateur, le principe de liberté d’expression sans entrave, les commentaires anarchisant sur l’actualité et le quotidien plaisent. Le sexe occupe une place grandissante dans les émissions. Avec l’arrivée de Catherine Pelletier, Supernana à l’antenne, un pas de plus est franchi. La jeune femme pratique également l’antenne ouverte mais avec un ton décapant, offensif, souvent moqueur, parfois volontairement méchant. La concurrence est de mise entre elle et Jean-Yves Lafesse, qui multiplie les supercheries de haute volée : fausse prise d’otage de l’antenne, faux suicide d’une femme en direct, fausse annonce de la mort du chanteur des Rolling Stones relayée par l’AFP… Dans les locaux, sur fond de consommation d’alcool et de stupéfiants, les tensions succèdent parfois à la fête. Jean-François Gallotte alias David Grossexe se met en tête de documenter l’expérience en tournant un film ovni, qui fait scandale au Festival de Cannes. Malgré ses liens avec le monde politique, Fenu échoue finalement à obtenir l’autorisation de la Haute autorité de la communication audiovisuelle. Le ton outrancier de la radio, le fait que son émetteur brouille la fréquence de France Musique et son montage financier opaque n’y sont pas pour rien. En août 1983, la police saisit le matériel de la radio… c’est la fin de Carbone 14. Le temps est à la rationalisation et au retour des normes économiques.

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Marie Suize, une jeune Savoyarde tente sa chance lors de la ruée vers l’or que connaît la Californie au milieu du XIXème siècle. En plus d’être une des rares femmes dans un monde d’hommes, elle se distingue en défiant la loi en portant le pantalon plutôt que la robe, à une époque où les femmes n’en ont pas le droit. Ce qui lui vaut quelques ennuis avec la Justice.

Dans le premier épisode, on suit Marie Suize depuis sa naissance dans les montagnes savoyardes. Enfant d’une famille nombreuse, comme ses frères, elle quitte très jeune le foyer et sa région natale pour aller travailler à Paris. Fille d’un commerçant ayant été boucher, tenancier d’une taverne et d’une auberge, Marie se retrouve bonne dans une maison bourgeoise… un choc culturel. Les choses ne se déroulent pas comme prévu puisque, renvoyée de son travail, elle se retrouve à la rue. Une femme la sort de ce mauvais pas et lui trouve un emploi de vendeuse de journaux à la criée. C’est ainsi qu’elle apprend en 1850 que la prospection d’or a débuté en Californie et que des gens du monde entier s’y précipitent. Elle décide alors de participer elle aussi à cette grande aventure. Redoutant d’être agressée, Marie se fait passer pour un homme lors de la traversée de l’Atlantique et, arrivée sur les terres du Nouveau monde, elle continue de s’habiller en homme. Maniant le pique et la pelle avec entrain, capable de défendre ses équipes les armes à la main, elle acquiert vite une solide réputation dans un monde d’hommes, rugueux et violent, et hérite du surnom de Marie Pantalon. Elle impose le respect et s’enrichit de manière spectaculaire.

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A propos de Mai 68, deux poncifs sur le fond comme la forme reviennent toujours. D’abord, les événements sont présentés habituellement par les médias comme une révolte existentielle de la jeunesse, essentiellement parisienne, en mal de liberté et cherchant à desserrer le carcan gaulliste, jetant aux oubliettes la lutte des classes en action. Ensuite, la plupart des émissions et débats consacrés à Mai 68 donnent la parole à des anciens étudiants devenus acteurs médiatiques et, lorsqu’il y a échange générationnel, ce sont toujours les protagonistes d’hier qui expliquent leur vécu aux jeunes d’aujourd’hui. Ce documentaire prend le contrepied de cette fable bien rodée et la manière de la présenter.

J’ai choisi de me concentrer sur le Mai 68 nantais, méconnu, oublié des médias et des manuels scolaires, et pourtant exemplaire à plus d’un titre. Nantes en particulier et la région Loire-Atlantique d’une manière plus générale vit les étudiants, les ouvriers et les paysans rentrer dans la lutte et entretenir des liens, même si les vues de chacun de ces groupes sociaux pouvaient différer. La participation du milieu rural est inédite et, à Paris, les relations entre la Sorbonne exaltée et les usines en grève furent quasi-inexistantes. Le lien filial reliant paysans à des membres de leurs familles partis travailler en usine en ville et, pour la première fois, l’origine modeste d’une nouvelle génération de jeunes, fils d’ouvriers, rentrant à l’université, peut expliquer ces liens. Une certaine radicalité, présente chez les agitateurs étudiants libertaires, fut parfois partagée en actes par les travailleurs et des liens de solidarité concrètent s’exprimèrent. La première usine à se mettre en grève en France fut Sud Aviation, dans la banlieue nantaise, ouvrant la voie aux dix millions de grévistes qui paralysèrent l’économie et à un appel tardif des syndicats. Enfin, il y eu un embryon d’organisation autogestionnaire lorsque le Comité de grève prit en charge les services essentiels pour la population, avec le concours des acteurs de Mai 68.

Dans sa forme, je souhaitais également que la parole circule plutôt qu’elle n’existe que dans un sens. Des ateliers pédagogiques menés conjointement par l’Education nationale, les Archives de la Ville de Nantes et le Centre d’histoire du travail, dans les collèges et lycéens de la région nantaise m’ont inspiré. Ils consistaient pour les élèves à étudier le Mai 68 nantais puis à produire une bande dessinée, un journal, un web documentaire et des lettres, en se mettant dans la peau de protagonistes des événements de l’époque. Dans ces travaux, on pouvait souvent lire en filigrane les aspirations bien actuelles de certains élèves. Aujourd’hui étudiants, j’ai sélectionné quelques-uns d’entre eux et leur ai proposé de prolonger l’expérience en leur faisant rencontrer des anciens soixante-huitards, ouvrier, paysan, étudiants, femme ayant pris part à la lutte. Ces dialogues ont laissé libre cours à l’expression de la compréhension des événements mais aussi aux étonnements, aux peurs, espoirs et désirs de la jeunesse d’aujourd’hui.

Des lectures de lettres rédigées lors des ateliers pédagogiques constituent notre point de départ, une visite guidée des lieux-clés du Mai 68 nantais nous connectent à la ville omniprésente et à son au passé, et les rencontres, toutes se déroulant dans des lieux signifiants font le lien entre hier et aujourd’hui et nous projettent vers un futur, des situations et des défis complexes.

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Atelier pédagogique sur Mai 68 à Nantes animé en 2018 au Centre d’histoire du travail, photo Delphine Gillardin

Manifestation du 28 mai 1968, cours des Cinquante-Otages à Nantes, Centre d’histoire du travail, fonds Mai 68

Manifestation des paysans, arrivée sur Nantes, le 24 mai 1968, Centre d’histoire du travail, fonds Mai 68

Mai 68 à Nantes, document du Comité central de grève relatif au ravitaillement de la population en essence, Centre d’histoire du travail, fonds Mai 68

Tract, Centre d’histoire du travail, fonds Mai 68

Usine Sud-Aviation de Bouguenais, occupée en mai 1968 : Centre d’histoire du travail, Collection Daniel Palvadeau, photo Jean Lucas

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Les hommages se sont multipliés à la mort de Charles Aznavour, chanteur incontournable, qui s’est non seulement inscrit dans la durée mais a également réussi le tour de force de s’exporter à peu près partout dans le monde. Que dire de plus ou de différent que les autres à propos du plus français des Arméniens ?

En parallèle de sa carrière, de son écriture, de ses chansons et de ses films, Charles Aznavour s’est raconté au travers d’une multitude de livres, bien plus que tout autre artiste. Qu’est-ce qui le pousse dans cette obsession d’écrire et de réécrire toujours plus le roman de sa vie, d’en peaufiner les versions comme s’il s’agissait de ses chansons, au moyen également de films documentaires, au fil de ses interviews ou sur le site de sa fondation ? Aznavour a eu une vie incroyable et une magnifique carrière ; il s’est appliqué à les magnifier et les parfaire, comme si cela n’était pas suffisant. Et s’il avait une telle revanche à prendre, qu’elle le pousse à sceller un « pacte autobiographique » bien particulier avec son public.
 
 

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Grace à quelques personnes, dont la sœur d’Alain Kan, j’ai pu avoir accès à ses affaires personnelles. Des textes et ébauches inédits, un roman très autobiographique jamais publié, une pièce de théâtre et des scénarios inachevés, beaucoup de notes pour des projets mais également plus personnelles, des lettres et brouillons de lettres… soit un riche matériau qu’il a laissé de sa pensée, ses ressentis et émotions. Il m’a permis d’être un peu dans la tête d’Alain Kan, de le laisser mener lui-même la narration du documentaire, au moyen d’un comédien l’interprétant, de retracer un parcours, un vécu et un ressenti de l’intérieur, de mieux comprendre son moteur et ses tourments. Des émotions fortes traduisent sa part créative, son entrain mais aussi ses déceptions, questionnements et colères. Chez lui, la sincérité, la mise en scène et la folie se frôlent… toujours.

Le parcours d’Alain Kan incarne l’archétype du chemin tortueux des poètes maudits et des perdants magnifiques. Avant-gardiste, charismatique, iconoclaste, inspiré, frondeur, paradoxalement il peut aussi se révéler copieur, carriériste, menteur, à bout de souffle, usé et vidé de toute flamme. Personnage complexe, homme de goût, il s’est fondu dans différents styles musicaux tout en les imprimant de son âme. N’a-t-il pas chanté « Etre une star ou rien » ? Plus qu’une chanson, cette sentence le portera autant qu’elle le détruira. Il assume son mode de vie face au jugement, à la censure et fait de sa marginalité une œuvre d’art, jusqu’à le consumer. Je voulais donc donner à vivre dans sa tête, ses tripes et son cœur ses vibrations, cris, rires, hurlements, pleurs et souffrances.

Un adolescent rêve de devenir une vedette de la chanson, courant les auditions. Il enregistre son premier 45 tours à 19 ans, en 1963, dans cette France insouciante des Trente glorieuses et enchaîne les ritournelles d’amour. Découvrant son homosexualité au service militaire, de retour à la vie civile en 1968, il fréquente les nuits parisiennes, devient disc-jockey puis chanteur au club restaurant L’Alcazar, haut lieu branché parisien du cabaret transformiste et des revues à plumes, où souffle un vent de liberté chic. Alain Kan s’y façonne un personnage androgyne, Amédée Junior, aux côtés de la chanteuse Dani et de l’égérie Marie-France. Alors que le personnage finit par lasser le public, lors d’un séjour à Londres en 1973, le Français découvre Lou Reed et David Bowie, avec qui il s’invente une aventure. La star britannique lui inspire une musique plus expérimentale, des textes hallucinés, une allure colorée et pailletée. Mais ses deux premiers albums, odes aux paradis artificiels et à la sexualité débridée, s’attirant les foudres de la censure, il se saborde.

Les drogues ne constituent pas une simple provocation chez Alain Kan. Il vit la nuit, dans l’excès, alternant exaltation et dépression, à l’étroit dans la France de l’époque. Lorsqu’arrive le phénomène adolescent punk en 1977, alors qu’il a déjà 33 ans, il redouble de fureur en formant le groupe Gazoline, hommage à une bande de travestis anarchistes. Puis, il enchaîne un nouvel album solo grinçant, tandis qu’il lutte pour sa propre reconnaissance, pour échapper à une relation amoureuse toxique et aux griffes de l’héroïne, survivre financièrement. Après quelques textes écrits pour le chanteur vedette, Christophe, son beau-frère, il est temps de se mettre au vert en Haute-Savoie. Son dernier album encore plus sombre passe inaperçu et, s’il finit par se délivrer de l’héroïne, il ne peut se passer de substituts et son retour sur scène semble de plus en plus compromis. Alain Kan, dont l’œuvre et l’existence sont marquées par l’absence d’un père inconnu, une certaine solitude, la tristesse, la peur de vieillir et la mort, restera un illustre inconnu de génie. Il disparaît à 46 ans, sans laisser de traces.

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En France, Gary Glitter n’a pas laissé de traces indélébiles. Mais en Grande Bretagne, on se souvient de lui… pour le meilleur et pour le pire. Entre 1972 et 1976, ce chanteur d’un genre de rock typiquement britannique, le glam, connaît un succès phénoménal. Aujourd’hui encore, celui qui doit son succès autant à ses chansons qu’à ses tenues vestimentaires extravagantes, défraie toujours la chronique. Mais pas pour les mêmes raisons.

Dans la première partie, on apprendra qui est et d’où vient Paul Gadd, enfant des quartiers populaires, que sa mère, se retrouvant seule, confie à des centres d’accueil pour orphelins. Adolescent, la passion du rock’n’roll, qui enflamme le pays dans les années 50, l’éloigne de l’école. Durant de longues années, Paul Gadd essaie de percer, multipliant les sorties de 45 tours sous divers noms. Mais le succès n’est pas au rendez-vous. Mike Leander, arrangeur pour The Beatles, The Rolling Stones, Marianne Faithfull, Claude François, et producteur de talent, prend Paul Gadd sous son aile dans les années 60. Il l’envoie s’aguerrir en multipliant les concerts en Allemagne avec ses musiciens de studio. Et au début des années 70, il lui forge un son et des compositions sur mesure, marquant le genre glam rock en pleine ascension, avec T-Rex, Slade et autres Sweet, de sa griffe. Sous le nom de Gary Glitter, Paul Gadd repart à l’assaut du public. Et cette fois, ça marche! Rythmes d’une double batterie tribale, claps de mains omniprésents, chœurs de supporters de football, costumes lamés et argentés, bottes à semelles compensées séduisent. Les tubes puis les concerts se multiplient, jusqu’à ce que Gary Glitter, véritable star, décide de faire ses adieux.

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La seconde partie permet de découvrir une autre facette, plus sombre, de Gary Glitter. Personnage séducteur et souriant avec le public, il s’avère être égocentrique et exclusif, rechignant à laisser ses musiciens, The Glittermen, prendre leur propre envol lorsqu’ils souhaitent sortir des disques sans lui. De plus, le succès s’accompagne d’un goût immodéré de l’outrance, en matière de luxe, de nourriture, d’alcool et de drogues. Si le côté grandiloquent et direct du glam rock a, en partie, influencé le punk rock en 1976, cette nouvelle vague fur également le fossoyeur d’un genre désormais perçu comme vieux et ringard. Et la retraite anticipée de Gary Glitter coïncide avec la fin de son succès. Ruiné, incapable de payer ses impôts, le chanteur perd tout. A partir des années 80, sa vie s’apparente désormais à un enchaînement de traversées du désert, de remise en forme et de reconquête du public. Mais c’est dans un autre registre que s’exprime la face la plus sombre de Gary Glitter. Et si de vieilles rumeurs de viol demeurées sans suite ne constituaient que le prélude à une lente descente aux enfers?

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